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MC5 – Kick Out The Jams (1969)

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MC5, liderado pelo líder da White Panther, John Sinclair e o guitarrista Wayne Kramer, representou a ala revolucionária das revoltas estudantis e usou o rock and roll como um dispositivo de agit-prop poderoso. Seu som incorporada a raiva e os sacarmos dos extremistas, suas letras desafiaram todos os padrões morais. Seus shows eram selvagens, orgasmos coletivos em que a banda desencadeava um monstro e fúria caótica sobre a platéia. Kick Out The Jams (1969) continua sendo um dos álbuns mais “orgiásticos”, terríveis e viscerais já lançados, um bacanal grotesco de atrozes sons, habilidades musicais primitivos, um ataque formidável sobre a realidade, o rock’n’roll equivalente a uma explosão nuclear, soando como se fosse free-jazz e incorporando o acid rock que havia sido barbaramente espancado dentro de um acelerador de partículas atômicas.

Kick Out The Jams (Elektra, 1969) é um dos álbuns mais importantes realizados, a música rock influente e criativa nasceu como anti-artística e intencionalmente se jogou no mundo sujo e cruel. Gravado ao vivo no final do ano de 1969, representa na verdade um conjunto atrocidades grotescas e a agitação do primitivismo musical, mas também um exemplo fantástico do poder devastador da música e do coração. Poucos podem se orgulhar de um conjunto complexo de canções como Kick Out The JamsCome TogetherRocket Reducer N. 62 e I Want You Right Now. A matriz é desintegrada em um frenético som abominável. A percussão desenfreada espasmódica cria tensões que, em seguida, explodem em voz alta e em sarabanda caótica e instrumental. Os solos da suíte barroca foram destruídas pela fúria devastadora de improvisação coletiva.

Em muitas incitações à violência, também se tem digressões de ordem metafísica, quando se professa a crença em uma religião cósmica que se recolhe e é o significado de todas as revoluções. Assim, o álbum termina com uma versão assustadora de Starship ( reflexos de Sun Ra), um spasmodically que se estendeu até o infinito, um delírio esquizofrênico de oito minutos, uma orgia de explosões galácticas, gritos de paranoicos, chiados, vozes remotas ou talvez um silêncio ensurdecedor de loucura cósmica.

Guilherme Rodrigues

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The Red Crayola – The Parable Of Arable Land (1967)

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The Red Crayola foram uma das maiores bandas psicodélicas dos anos 1960 e, provavelmente, de todos os tempos. Eles tocaram uma música extremamente selvagem e cacofônica que estava décadas à frente de seu tempo. Eles antecederam o expressionismo da Alemanha (Faust) e o New Age norte-americano (Pere Ubu). Suas melodias “freaks” estavam  mais perto de jazz livre de John Coltrane e pinturas abstratas de Jackson Pollock do que rock and roll. Seu líder, Mayo Thompson, é um compositor que está entre os maiores músicos vivos (jazz, música clássica, rock).

Seu estilo revolucionário de composição tinha poucas coordenadas estáveis.  Thompson colocou sua arte firmemente na tradição iconoclasta de Frank Zappa que acabara de fundar, e simplesmente aumentou a quantidade e a velocidade do ruído. Parable of Arable Land foi gravado em 1967, mas composto no ano anterior. O álbum é um dos marcos da música rock, um carrossel de selvagens invenções harmônicas/ sabotagens que o torna uma obra-prima atemporal e psicodélica (possivelmente o álbum predileto do autor que escreve esta resenha!). Longe de ser apenas um hippie louco e drogado,  Mayo Thompson estava tocando música de vanguarda para as bandas de rock. O ruído é o protagonista indiscutível.

O formato aberto das faixas e sua estrutura de forma livre pode hospedar uma variedade praticamente incalculável de instrumentos dentro das canções, da eletrônica para sinos, martelos e motores (incluídos durante um show que eles usaram um pouco de gelo pingando em uma placa de alumínio) com a intenção declarada de explorar possibilidades de todos os instrumentos até o ponto em que você não poderia ser capaz de reconhecer alguns dos próprios instrumentos. Eles experimentaram tudo o que os ouvidos humanos podem perceber. O rigor conceitual e programático se expressa através de uma preferência maníaca por barulhos estranhos (tais como tiros ou gritos agudos) e percussões ousadas. O álbum mostra como reproduzir um conjunto perfeitamente psicodélico: o caos criativo alcançado no final das canções, depois de uma introdução melódica que geralmente apresenta certo grau de frenesi, brutalidade, percussão e efeitos eletrônicos que fervilham. As músicas psicodélicas são formadas em mini-sinfonias para expansões e fluxos de consciências, com base em sintaxes desconexas e demolidas por vórtices atonais ou furacões harmônicos que só podem ser comparado com os mais radicais do free-jazz.

Um após o outro, essas músicas realmente nos dizem a parábola de uma terra sem limites, fértil e ainda não descoberta: Hurricane Fighter Plane, a faixa mais melódica, obscurecida por um som escuro incessante no fundo, com um ritmo que monta a galope e uma coda caótica para gaita e todos os tipos de percussão; a dança de War Sucks, a faixa mais feroz e infecciosa, ditada pelo tribalismo mais epiléptico, onde todos os instrumentos batem com o tempo da dança, enquanto Thompson trilha contra a guerra; a distorção acid-rock de Transparent Radiation, para voz e gaita, que depois de dois estrofes é oprimida por um pandemônio geral, um furacão de sons narcóticos; as vibrações subsônicas, metálicas e batentes, os riffs de Stainless Tail com seus timbres deformados. Não resta mais nada a ser dito, Paráble of Arable Land, sem dúvida, é o som mais radical na história da música rock, onde todas as possibilidades e caminhos tortuosos de sons cacofônicos certamente foram bem trilhados.

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