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The Pop Group – Y (1979)

Pop Group - Y (1979)

O Grupo Pop foi uma das bandas mais radicais, originais e importantes da década de 80. Os tons de harmonias eram o jazz livre e da ferocidade de execução que foi predominantemente punk. O Grupo Pop repudiou o niilismo do punk para abraçar causas nobres e humanitárias, em essência, essa banda era o equivalente musical de um grupo de canibais que andam em uma marcha de protesto.

O álbum Y (Radar, 1979 – WEA, 2002) foi um dos principais eventos da temporada de punk rock da Grã-Bretanha. Sua música era quebrada, violenta e anárquica, e este registro é preenchido com suspiros de ritmo, granizo de acordes e rajadas de gritos. O funk incluído foi totalmente destruído, rasgado e sacrificados no altar da revolução musical e política. As faixas foram realizadas em nome de uma síntese ousada do primitivismo. As composições eram grosseiras, vindo de artistas aparentemente primitivos e bárbaros que conheciam apenas duas formas de expressão (dançando e gritando) e apenas um único tema (a luta pela sobrevivência). O álbum contém uma sequencia de cenas sangrentas e assustadoras, apresentados em um magma nuclear de ritmos e acordes. O nojo e o medo tornam-se o tom de acusação social do álbum, o que aumenta o ar feroz e o esmagamento da música. O registro não é de estilo musical específico, e em vez disso, toma emprestado de uma mistura de diferentes gêneros: avant-garde, jazz, folk africano. Experimentação, improvisação, e tribalismo são aspectos vitais e as letras são, quase paradoxalmente, tanto ingênuas quanto metafísica, pagão e política.

[Don’t Sell Your Dreams é a faixa que finaliza o álbum, uma das mais marciais e aterradoras]

As faixas principais, Thief Of Fire e We Are Time, contem o funk mais encorpado, enquanto continuam a serem agressivas. Essas músicas são modeladas sobre a gama de possibilidades que vem da voz de Stewart, que às vezes pode ser tão etérea como Tim Buckley ou tão feroz como Captain Beefheart. Essas duas faixas são danças extravagantes da vida, inseridos em paisagens desoladas e pré-históricas. São terríveis pesadelos que se casam com os instintos mais selvagens e violentos da natureza humana para a trilha sonora de uma cerimônia primitiva. Outras músicas encontradas no registro utilizam uma espécie de cabaré avant-garde, como o sedutor do funk kitsch (uma reminiscência de Frank Zappa) e dissonantes acompanhamento jazz de Snow Girl ou o piano clássico, bêbado cantando, e triste de Savage Sea.

As acrobacias vocais (Stewart), o sax dissonante (Gareth Sager), o baixo funky (Simon Underwood), as guitarras em formato de napalm (John Waddington) e uma percussão constante (Bruce Smith) de raiva sem piedade, transformando as canções em longos pedaços de conversa que se assemelham ao free jazz congestionado. A textura harmônica é horrivelmente desfigurada em Blood Money, em que o ritmo do disco torna-se animado e gritos dementes e todos os tipos de eventos sonoros dissonantes tomam posse. Em Words Disobey Me, uma voz delirante acompanha um emaranhado de guitarras alucinógenas e dissonâncias aleatórias. Don’t Call Me Pain é aberta pelo sax neurótico e hipnótico de Sager, que é guiado por voz igualmente hipnótica de Stewart através de um labirinto de cantos paranóicos. A cúpula apreensão de seu tribalismo é The Boys from Brasil, que cospe versos amazônicos de reflexões diárias do desespero existencial em uma confusão latejante de distorções supersônicas. Don’t Sell Your Dreams é o registro final de sonho, rasgando a música longe como se estivesse em um longo grito de dor.

O mundo evocado por estas músicas é crua e assustadora. É um mundo de ruínas habitado por canibais selvagens, que pode ser interpretado tanto como uma visão da humanidade pós-apocalíptico, ou, ainda mais assustador, uma visão da humanidade atual, igualmente bárbaro e feroz nas atuais metrópoles capitalistas. Y é uma cruz extraordinária entre uma sessão psicanalítica, uma viagem psicodélica, e uma reportagem sobre a verdade pagão musical. O som do Grupo Pop, especialmente neste disco, reflete os anseios e depravação da sociedade moderna, ou seja, um dos mais ambiciosos álbuns da história da música rock.

Guilherme Rodrigues

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Suicide – Suicide (1977)

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O espírito do “Blank Generation” tomou conta de Manhattan com Suicide que começou a girar seus contos de neurose insuportável. A dupla, nos teclados (Martin Rev) e vocais (Alan Vega), reinventaram o line-up da banda de rock, com os teclados eletrônicos substituindo seção rítmica e o instrumento principal. Sucide (1977), um dos marcos do new wave, enxertados as modulações infinitas de minimalismo em uma batida rockabilly febril denominando-se assim “psychobilly”. Vocals moribundos de Vega perseguido por fantasmas através de uma angústia urbana que era um parente próximo do Velvet Underground. Eles penetram sobre o apocalipse individual e coletivo, representando almas e dores solitárias em um cenário gótico cheio de medo, paranóia e claustrofobia.

O debut Suicide (Red Star, 1977) (reeditado em 1981 com material inédito) é um álbum de revelação musical, e é um dos pilares do new wave. As músicas incluídas são delírios de um suicida caminhante em labirintos metropolitanos. Eles são exercícios de auto-flagelação que atingem um pathos paranóico através de uma catalepsia monolítico e existencial. A pequena, mas implacável textura sonora é subitamente perfurada por desesperadas, gritos horripilantes que surgem do nada, amorfo, e se agarram às paredes de arranha-céus sem fim. A música é repleta de refrigeração dos gemidos que se propagam através de efeitos de eco, evocativa e alucinatória, prevendo, por meio de sussurros em catacumbas, a morte da humanidade.

Sua obra-prima é um lamento que conduz os impulsos das ruas movimentadas em silêncio glacial, o tribalismo cósmico de Rocket USA, a síncope esmagamento de Ghost Rider, o rockabilly psicótico de Johnny, o lascivo gemidos Girl;. As músicas são cadavéricas, feitas de longos silêncios, ofegantes, pulsações geladas do Rev, produzindo uma atmosfera de intensidade quase religiosa. A banda se dividia entre as histórias “fatais” e jogos políticos, criou um glossário que não dá misericórdia para com a condição humana. Frankie Teardrop é o maior pesadelo dentre os pesadelos, uma espécie de Sister Ray (Velvet Underground) do milênio. Seu ritmo alucinante é possuído pela história da ruptura na consciência de um pai metropolitano da subclasse e atrofiado. É um maníaco, uma projeção egoísta brilhante em uma tela escura, e passa por uma sequencia de sons de ruído tornando-se cacofonia que ecoa no final, uma carga de dinamite explodindo em câmera lenta. O suspense do drama é mantido por Vega, cuja voz é quase casual, ainda tenso e tremendo. Ele faz uma pausa entre o ruído interminável espalhados aleatoriamente, desconexo gritando toda a sequencia final de ecos e cacofonia, o que torna ainda mais assustador. É uma das músicas mais sombrias e angustiantes em toda a história do rock. Suicide representou a atitude típica dos intelectuais do metrô de Manhattan, na virada da década: ir à deriva nos turbilhões de emoções reprimidas, liberando o ardor oculto sob uma aparente imperturbabilidade.

Guilherme Rodrigues

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Pere Ubu – Modern Dance (1977)

Pere Ubu - The Modern Dance (1977)

Pere Ubu são o mais original e importante das bandas new wave. Eles foram para o new wave assim como Jefferson Airplane foram para o acid rock em San Francisco e o Pink Floyd para a música psicodélica britânica. A personalidade excêntrica de David Thomas domina a sua carreira desde o começo até o fim, embora o grupo também tenha se caracterizado com outros músicos de grande estatura. Sua história começou em 1975, em Cleveland, Ohio, uma cidade industrial com a cultura da classe trabalhadora em vigor. O tema norteador de Modern Dance (Blank, 1978 – Silver Line, 2006) é o de alienação e ansiedade na sociedade industrial. Mutatis mutandis, Pere Ubu tirar o medo do holocausto nuclear para transplantá-lo em um cenário diferente, em que a morte não é física, mas espiritual, não devido ao bombardeio, mas a mecanismos econômicos e sociais.

Seu som começa a partir do espírito do velho estilo garage-rock, mas o distorce com bases grotescas e harmonias de ritmo pegajoso. As letras surreais e o humor atenuam a força dramática da performance,  mas ao mesmo tempo, aumenta a sensação de loucura coletiva, de fatalismo resignado, da escravidão inelutável. Trata-se do mesmo medo racional, que apreendeu o jovem da era pós-guerra, quando a ameaça atômica abatia a todos em suspense; agora, porém, a situação é mais real, porque a industrialização já colheu seu holocausto sendo muito mais grotesca, já que foi capaz de fazer isso com a cumplicidade de suas próprias vítimas. Sua “modern dance” é composta de fases de forma livre (sopros, cacofonia dos teclados, sacudindo guitarras, emoções psicóticas) alternando com súbitas poderosas bases rítmicas, verdadeiras ondas de violência alucinatória na calma da neurose urbana, em que Thomas dá a desabafar sua veemência e fúria. A esquizofrenia do canto é a esquizofrenia do som como um todo.

O trabalho começa com o estonteante Non Alignment Pact, que mergulha num furioso, ensurdecedor bacanal de slogans enigmáticos, vocais deselegantes, distorções eletrônicas e pulsações primordiais, em uma dança grotesca de corpos possuídos pelo inquieto ou desgastante ritmo de uma cerimônia tribal. O som de Modern Dance é um funk primitivo e tecnológico, que reproduz o ambiente do escritório, o movimento cíclico da multidão, a fumaça das chaminés de fábricas e do inorgânico berrando em meio á multidão, com as cadências da jornada de trabalho como um mecanismo real, enquanto o canto vibra em desespero ao ritmo martelar da dança. O uso de sequências e sons eletrônicos, como forma de enfatizar o clima de tragédia, torna o arquétipo da “colagem sonora” para toda a new wave. A terceira grande canção de rock and roll do disco é Waves Street, varrida por um vento sinistro (que evoca a rajada depois de uma explosão atômica) e conduzida em velocidade supersônica por um ritmo começa/ termina. A ladainha android de Real World (ritmo sincopado, zumbindo de interferência, guitarra metálica), o espírito de dança lenta de Over My Head, grávida de suspense agonizante, e a palhaça, desesperadora música disco de Humor Me e Life Stinks, mostram a ferocidade e a obscuridade gelada dessas baladas sem emoção elevando o espírito original do rock and roll.

O ecletismo de seu som é demonstrada por Laughing, que abre com uma mini-jam de jazz livre para ventos, guitarra e bateria, e de repente explode em outra fanfarra de dança louca e brutal. Ainda mais desarticulada e caótica é o tecido harmônico de Chinese Radiation, com errantes acordes de guitarra, delírios desenfreados de Thomas e seu ataque epilético na frente de um público exultante e, em seguida, as notas de piano em meio a silêncio geral. Sentimental Journey, a música de câmara para quebrar louças com frases desconexas de synth e um lamento sonâmbulo, nada mais é do que uma massa aleatória de dissonância nas mais orgulhosas tradições de psicodelia, mas é também um manifesto de música dadaísta, de música parecida com gritos e algazarra (nada é concreto aqui).

Dessa forma desequilibrada, a música é ambiciosa o suficiente para funcionar como a trilha sonora da paisagem industrial de Cleveland, e, por extrapolação, como a do holocausto. Tudo não passa de uma filosofia de auto-destruição. As referências a patafísica (ou metafísica) do francês Alfred Jarry não são acidentais; aludem ao sentido da deformidade, do absurdo, do grotesco (que nunca é burlesco), do cinismo brutal que informa as relações entre os habitantes das ruínas de tecnologia. A dança moderna de Pere Ubu é um rito funeral para a humanidade depois da catástrofe: há a angústia de um destino inevitável, há a agonia e o delírio, a lenta decadência para a deformidade, o caos imaterial da alma. Eles são visões do apocalipse cantadas por sobreviventes, gangues de arruaceiros, rostos devastados pela explosão e que surgem e desaparecem em rajadas. Elas são baladas escuras e indecentes, com um ritmo neurótico de assobios e louças estridentes.

Guilherme Rodrigues

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