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Pink Floyd – The Piper At The Gates Of Dawn (1967)

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Pink Floyd criou um compromisso entre o atolamento de forma livre tonal, o barulhento, aberração “cacofônica”, o excêntrico e a cantiga melódica. Barrett era a personalidade forte dentro do grupo, neste ponto, bem como o mais novo. Ele compôs uma grande quantidade de músicas e letras, ele tocava violão alternando entre fraseado tonal e virando a dissonância.

Barrett era para qualquer experiência: da pintura mística da Ásia para a química da música. Quando ele decidiu colocar a mão para a música, ele procurou distorcer o blues-rock para caber sua imaginação alucinógena. O quarteto, com o nome Pink Floyd em honra de dois bluesmen americanos incompreendidos, começou a tocar regularmente em shows locais subterrâneos, do Marquee para Roundhouse, mostrando grande interesse em efeitos eletrônicos e shows de luz (o primeiro na Grã-Bretanha). O grupo participou de diversas manifestações, tais como longos congestionamentos de eletrônica blues-rock, tornando-se lendário entre a cena underground de Londres.

O primeiro álbum de longa data, The Piper At The Gates Of Dawn (Tower, 1967), que saiu no verão de 1967, teve um grande impacto na cena da música na Grã-Bretanha. Neste álbum, Pink Floyd resumiu a sua nova gramática musical, um novo modo de interpretar a música para a juventude. O álbum foi dominado pela personalidade de Barrett, um excelente contador de histórias e intrépido navegante das estrelas, com uma voz idílica e guitarra demoníaca. O sinal de rádio intermitente que foi Astronomy Domine foi a maior invenção dentro de rock Inglês, durante este período: a felicidade em crescendo, os intervalos de assobios e latejante das guitarras e uma voz deformada por distâncias astronômicas. Esta foi a manifestação de uma extensão para o sentido comum de psicodelia. Era tanto uma expansão e libertação, onde o céu era o único limite, e Barrett iria ainda além. Wright e Mason, com suas notas longas, tempestuoso e vasto, inventou um novo estilo de acompanhamento. Metade do álbum consistia de canções curtas surreais, livre da influência de alucinógenos, como See Emily Play, em que o lirismo excêntrico e instrumental era o mais profundo espaço-rock existente. Havia outras fantasias em miniatura e sínteses harmônicas, cheia de gafes de som e misteriosas letras. A guitarra continuou a criar uma atmosfera de pânico, como Lucifer Sam, uma mistura de uma trilha sonora de suspense, uma dança tribal, e um exorcismo por magia negra. A balada foi outra forma utilizada com efeitos alienantes em Matilda Mother, marcial e fatalista, que subiu em cima de um coro celestial, e The Gnome, um dos refrões mais contagiantes do grupo, foi um conto de fadas clássico. O aspecto mais grave da psicodelia de Barrett foi documentado no Chapter 24, que adaptou raga-rock de arranjos cósmicos (gags que assumiram muitas formas, tais como o suspense e órgão dilatada). O álbum transpira a feroz veia instrumental do grupo (como piano clássico atacada por um bando de tribos drogados, uma aceleração repentina do tempo, breaks celestes pelo órgão, e os sons do assombro dos bosques).

No final, o estilo vaudeville foi a inspiração para Flaming (uma colagem de efeitos sonoros) e The Bike, um esboço surreal, uma brincadeira de bêbado consistindo de ruído aleatório (sirenes, relógios de cuco, sinos, tambores graves, correntes enferrujadas e sons de animais), revelando a insanidade de Barrett. Introduzido por um dos riffs de guitarra mais aterrorizantes da história do rock, Interstellar Overdrive (uma faixa instrumental de comprimento), foi uma obra-prima dentro de uma obra-prima. A síntese de mensagens subliminares de gurus e sacerdotes ácido, os fluxos de consciência de um James Joyce e ficção científica, do surrealismo e da psicanálise freudiana, todo o conjunto é um frenesi de camaleão em que Barrett mais violentamente abandona o papel de dissonante menestrel (variação psicodélica de um cantor folk), do bobo da corte metafísico, do guru novato, e assumiu o papel de músico cósmica. O quadro para a música tonal do grupo caiu no caos ensurdecedor de improvisação livre. Abandonando a melodia, a velha desculpa para truques instrumentais, os truques agora realizaram a sua própria validade. Cada instrumento vivia livre, possuído e deformado pela intensidade da performance. O sentido cósmico fornecido pelo beep galáctico na guitarra, leguminosas celestes no baixo, alto franja sobre os tambores, choques elétricos por parte dos címbalos, e acima de tudo o ruído espacial do teclado, os instrumentos mudaram papéis, perseguindo um ao outro e se sobrepondo, mas havia sempre um instrumento que barulhos espaciais simulados, como sinais de rádio, zunindo naves espaciais, apitos e burburinhos que vêm e vão ao longo de órbitas estelares, e do caos primordial que apoiou tudo.

Guilherme Rodrigues

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The Velvet Underground – White Light White Heat (1967)

Velvet Underground - White Light White Heat (1967)

The Velvet Underground são provavelmente a banda mais influente de toda a história da música rock. Eles versaram sobre as vielas estreitas das partes ruins da cidade, tocando no subconsciente da criança urbana, dos restos emocionais que eram um simples subproduto do espírito original do rock’n’roll. O segundo álbum, White Light White Heat (Verve, 1967), foi realizado sem Nico, que se separaram para seguir Warhol, depois de uma série de concertos fracassados ​​em teatros vazios.

A ausência do tom atormentado de Nico e a atmosfera nebulosa que ajudou a criar funcionaram para dar lugar mais espaço para o discurso delirante de Reed e experiências radicais de Cale. Os cortes cresceram excessivamente longos, ofuscado por uma escuridão monótona comum, um sentimento de impotência e claustrofobia, dilacerado por distorções de guitarra e abusando por linguagem chula. Há congestionamentos de feedback de forma livre, grandes holocaustos que o colapsam para o mais baixo nível de emotividade. O sentimento de solidão em meio ao clamor da cidade oferece a sugestão emocional para fantasias macabras do Velvet. Temos aqui o caos mental, desespero, paranoia, obsessão com a morte, a turbulência do subconsciente: o Velvet Underground foi determinado para perfurar as camadas mais dolorosas da psicodelia e da psicanálise.

A faixa-título de abertura de White Light White Heat, com o sua poderosa introdução e seu ritmo cadenciado, é a peça que leva à perfeição a sua dança percussiva hipnótica, é uma espécie de bacanal frenético. É também o único corte no álbum, exceto para o mantra Here She Comes Now, que é ainda uma reminiscência de uma estrutura formal da música. Em contraste, a dança tribal e devastadora de  I Heard Her Call My Name, na verdade é uma sarabanda epiléptica, o claustrofóbico The Gift é um discurso coloquial apoiado por distorções de guitarra improvisados e ​​amorfos, e o mutilado e indiana sonoridade de Lady Godiva’s Operation, são passeios selvagens sem cabeça nem cauda, ​​divididos por dissonância monumental de Cale.

Todos estes na verdade são prelúdios à Sister Ray, uma massa negra ensurdecedora, um encantamento de vozes e instrumentos em transe, talvez a maior obra-prima em toda a música rock e a mais pornográfica também. Este épico desliza sobre 17 minutos sem um momento de pausa, com uma batida pulsante (Maureen Tucker tem todo o direito de listar-se entre os melhores bateristas da história do rock), com o fraseado de guitarra distorcida e chiado composto de assaltos veementes e sussurros suaves em contraponto, com o martírio elétrico contínuo de Cale, e com a voz aguda de espírito de uma gagueira de Reed, epiléptico e possuído. A batida acelerada tremenda e os espasmos da neurose emocional atingem níveis de som e intensidade emocional nunca antes realizada na música. A cobra se desdobra como um longo sábado, uma dança ritualística, um acontecimento coletivo de auto-destruição em erupção contínua dos suspiros, espasmos psicopatas, a violência perversa e delírio obsessivo – um amontoado pulsante de sons que explodem em todas as direções, um furacão dissonante de tal violência que quer arrancar toda a civilização da música, a alegria dramática da angústia enfurecida, uma libertação anárquica mística dos instintos primordiais, uma sessão psicanalítica da escrita automática, uma expansão de consciência, uma ode ao caos da metrópole, um hino à loucura universal.

O sucesso do álbum foi inversamente proporcional à sua grandeza. A razão não é atribuível a letras de vulgares de Reed, mas sim a experimentação pesada de Cale. Como conseqüência, em 1968, Reed perguntou a Cale para deixar o grupo. O que fica é um produto para os não conservadores.

Guilherme Rodrigues

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The Red Crayola – The Parable Of Arable Land (1967)

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The Red Crayola foram uma das maiores bandas psicodélicas dos anos 1960 e, provavelmente, de todos os tempos. Eles tocaram uma música extremamente selvagem e cacofônica que estava décadas à frente de seu tempo. Eles antecederam o expressionismo da Alemanha (Faust) e o New Age norte-americano (Pere Ubu). Suas melodias “freaks” estavam  mais perto de jazz livre de John Coltrane e pinturas abstratas de Jackson Pollock do que rock and roll. Seu líder, Mayo Thompson, é um compositor que está entre os maiores músicos vivos (jazz, música clássica, rock).

Seu estilo revolucionário de composição tinha poucas coordenadas estáveis.  Thompson colocou sua arte firmemente na tradição iconoclasta de Frank Zappa que acabara de fundar, e simplesmente aumentou a quantidade e a velocidade do ruído. Parable of Arable Land foi gravado em 1967, mas composto no ano anterior. O álbum é um dos marcos da música rock, um carrossel de selvagens invenções harmônicas/ sabotagens que o torna uma obra-prima atemporal e psicodélica (possivelmente o álbum predileto do autor que escreve esta resenha!). Longe de ser apenas um hippie louco e drogado,  Mayo Thompson estava tocando música de vanguarda para as bandas de rock. O ruído é o protagonista indiscutível.

O formato aberto das faixas e sua estrutura de forma livre pode hospedar uma variedade praticamente incalculável de instrumentos dentro das canções, da eletrônica para sinos, martelos e motores (incluídos durante um show que eles usaram um pouco de gelo pingando em uma placa de alumínio) com a intenção declarada de explorar possibilidades de todos os instrumentos até o ponto em que você não poderia ser capaz de reconhecer alguns dos próprios instrumentos. Eles experimentaram tudo o que os ouvidos humanos podem perceber. O rigor conceitual e programático se expressa através de uma preferência maníaca por barulhos estranhos (tais como tiros ou gritos agudos) e percussões ousadas. O álbum mostra como reproduzir um conjunto perfeitamente psicodélico: o caos criativo alcançado no final das canções, depois de uma introdução melódica que geralmente apresenta certo grau de frenesi, brutalidade, percussão e efeitos eletrônicos que fervilham. As músicas psicodélicas são formadas em mini-sinfonias para expansões e fluxos de consciências, com base em sintaxes desconexas e demolidas por vórtices atonais ou furacões harmônicos que só podem ser comparado com os mais radicais do free-jazz.

Um após o outro, essas músicas realmente nos dizem a parábola de uma terra sem limites, fértil e ainda não descoberta: Hurricane Fighter Plane, a faixa mais melódica, obscurecida por um som escuro incessante no fundo, com um ritmo que monta a galope e uma coda caótica para gaita e todos os tipos de percussão; a dança de War Sucks, a faixa mais feroz e infecciosa, ditada pelo tribalismo mais epiléptico, onde todos os instrumentos batem com o tempo da dança, enquanto Thompson trilha contra a guerra; a distorção acid-rock de Transparent Radiation, para voz e gaita, que depois de dois estrofes é oprimida por um pandemônio geral, um furacão de sons narcóticos; as vibrações subsônicas, metálicas e batentes, os riffs de Stainless Tail com seus timbres deformados. Não resta mais nada a ser dito, Paráble of Arable Land, sem dúvida, é o som mais radical na história da música rock, onde todas as possibilidades e caminhos tortuosos de sons cacofônicos certamente foram bem trilhados.

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The Deviants – PTOOFF! (1967)

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Os Deviants foram talvez o mais importante complexo da música britânica subterrânea e psicodélica dos anos 60, juntamente com o Pink Floyd. O grupo se formou em 1966 por Mick Farren, um jovem ativista que havia sido influenciado pelas sátiras políticas das canções dos Fugs (grupo que precede a grande influência de Frank Zappa ao abordar sátiras e tons políticos em suas canções). Farren foi um dos protagonistas da contra-cultura em Londres, foi membro dirigente do Panteras Brancos britânico (grupo anti-racista que além de outras atividades desejavam Rock and Roll, drogas, e sexo nas ruas e mais liberdade nos exércitos), organizador e promotor de noites alternativas, jornalista do “International Times” (órgão oficial de cultura alternativa) e político. Os Deviants eram, de forma direta e clara, simplesmente o apêndice de suas diversas atividades musicais, uma emanação jam-freak de todos os acontecimentos sociais e políticos que fervilharam durante a década.

O primeiro álbum, Ptooff (Underground Impresarios, 1967 – Decca, 1969 – Psycho, 1984), é uma fantasia de pesadelos adolescentes que atinge um equilíbrio entre o trash-rock das bandas da garagem e do comentário social dos Fugs. A criação em si é brilhante e vertiginosa: Farren realiza todo o complexo musical a partir de ritmos marciais e alcoolizantes, riffs estranhos, um baixo a lá Zappa, e até um tom pastelão como em People Of The City, vômitos alucinógenos como em Garbage, o pesadelo tribal e tecnológico de Nothing Man, mini-trilhas sonoras alternativas em Deviation Street e por fim, a sonoridade a lá Stooges em I’m Coming Home.

Com apenas 35 minutos de pura psicodelia, Ptooff passa a sensação de uma experiência muito boa para um tempo tão curto. A criatividade de Mick Farren e a sintonia de seu grupo ainda fariam Disposable (Stable, 1968 – Get Back, 1998) e Mona The Carnivorous Circus (Transatlantic, 1970 – Psycho, 1984 – Get Back, 1998) que são quase tão bons quanto esse aqui. Imperdível mesmo é deixar de conferir uma banda que transita entre o político e o social numa sonoridade underground e de garagem, prática de banda que ainda ficaria popular e visível nas próximas décadas. Pleno produto de seu tempo e um passo á frente da maioria dos artistas de mesma época.

Guilherme Rodrigues Continuar lendo

5 Comentários

por | 1 de abril de 2013 · 21:19