Artigo: Os melhores trabalhos de Robert Wyatt, da elegia da loucura á elegia do caos

Robert+Wyatt+wyatt

Robert Wyatt é um dos verdadeiros gênios do rock.

Robert Wyatt foi um baterista na banda Soft Machine, expandiu suas habilidades artísticas em Moon In June (a melhor composição que o mesmo entregou para a antiga banda), e que acabou resultando no seu debut The End Of An Ear (1970). Ele inventou uma nova linguagem, utilizando-se do padrão tradicional (pop, soul, folk, jazz) e do avant-garde (minimalismo, eletrônica), linguagem essa tanto pessoal quanto pública. A mesma fusão dos temas privados e públicos, com ênfase nos públicos caracterizados pela sua persona esteve presente nos primeiros dois álbuns de Matching Mole, Matching Mole (1972) e Little Red Record (1972), que são raros exemplos de fluxo de consciência e o agit-pop que não devem em nada ao quarteto de uma banda de jazz. Seu lado privado eclodiu em Rock Bottom (1974), uma dos álbuns mais supremos de toda a história do rock que transfigura rock e jazz numa pérola única. Além de sua linha imaginária, Wyatt cravou uma vala emocional onde felicidade, tristeza, fé e resignação encontram uma pura unidade metafísica. A maravilhosa originalidade desta obra-prima simplesmente consiste num aprofundamento de seu fluxo de consciência que já estavam presentes em seus trabalhos anteriores. Seu último trabalho significante foi Animals Film (1982).

Waytt ajudou tanto o rock progressivo quando as tradições do jazz-rock. Com suas obras-primas, ele escreveu uma trilha sonora do existencialismo pós-industrial por meio de cruzamentos de um ato comovente de fé na dignidade do homem. No futuro, a obra de Robert Wyatt é um monumento artístico que se pode colocar entre os vértices atingidos pela música do século XX.

A faixa Moon In June, de Third (terceiro álbum do Soft Machine) tinha plenamente revelado o talento de Robert Wyatt, que não era apenas um baterista e um cantor, mas ele foi capaz de tocar todos os instrumentos e misturar o som com um processo de fusão incomum que atrai igualmente ao jazz, pop e música eletrônica, e ao mesmo tempo com uma forte sensibilidade artística.

[Faixa Moon In June, ainda no Soft Machine, uma das 10 melhores canções de rock já feitas]

Wyatt no momento de sua saída do Soft Machine já tinha feito o primeiro álbum solo: End Of An Ear (CBS, 1970). Ele meticulosamente sobrepôs horas de improvisações solitárias. O “fim da orelha” é um som anormal em ruídos orquestrais em pastiche vocal, anarquia curiosa e caprichosa. A obrigação de referência do trabalho é a Moon In June, o primeiro voo do jovem baterista dos cânones da geometria e da patafísica do Soft Machine.

Las Vegas Tango é o momento mais alto do disco: nesta passagem são os arranjos finais dos experimentos sobre o item, a imaginação e o piano percussivo para o jazz; toma forma um magma informe de pequenas vozes, gemidos, gritos, trava-línguas, choros, gritos, versos animalescos, onde a loucura, melancolia e neurose que são sublimadas em ritmo radiante alienado e desesperado. Planos de dissonância prendendo em um clímax de suspense de psicodrama, ou então um carnaval de vocalizações onde dissolve a tensão em um excesso espetacular de psicodelia. O vórtice da mente e do universo em um tango absoluto, uma dança apocalíptica e a dissolução da forma.

A segunda parte, sobre o outro lado do disco, é a renúncia eletrônica para deformar a canção, mas acabou revelando as acrobacias vocais ainda mais difíceis. Na corda bamba de percussão e dos teclados, Wyatt cambaleia de um lado para o outro de delírio e ritmos, maçantes como um clamor, vários assobios e estalidos misturados em poções inebriantes, distorcidas e prejudicadas para a falta de mensagem, que em última análise recai sobre o estado de loucura.

Os outros episódios no disco, inteiramente instrumentais, são dedicatórias especialmente carinhosa com os amigos, paródias surreais de suas deficiências e as suas fraquezas: o apito que ecoa mecânica e eternamente de To Saintly Bridget, terrível e belo em meio ao caos de sopro e percussão, a marcha grotesca de vento industrial de To Mark Everywhere, a obra-prima mini-expressionista, a confusão de To Oz Alien Daevyd and Gilly, o duelo de To Nick Everyone, uma excelente incursão na área de livres, divagações aleatórias e criativas no caos da percussão furiosa, como um inventar e reproduzir uma música contínua e dramática para frases cortadas, pulsos, espasmos, choques nervosos e tremores. O To Caravan and Brother Jim trouxe em um ritmo hipnótico por um organismo religioso e um piano dissonante, um trompete experimental, uma eletrônica e percussão gratuita, e, por último, a elegia alegre de To Carla, Marsha and Caroline. Os efeitos mais marcantes são os de uma dança primitivista com ramificações extrema avant-garde, eletrônica e jazz, respectivamente, e, portanto, têm mais significado histórico.

Álbum completo:

Depois de entregar a história do rock britânico esta obra-prima, Wyatt forma o Matching Mole (o nome vem de uma assonância com a tradução francesa de “máquina de soft”, ou seja, “Soft Machine”), onde ele está se reunindo em torno de Phil Miller (guitarra), Bill McCormick (baixo) e David Sinclair (teclado, mas logo substituído por Dave McRae). No início de 1981 eles lançaram seu primeiro álbum, mais influenciado pelo jazz e menos pessoal do que o último.

O tom médio no primeiro álbum, Matching Mole (CBS, 1972), é mais resignado. Existencialismo mais ansioso que embebe Wyatt, como de costume nos vocais, mas as contorções instrumentais quebram com as reflexões excessivas, como a canção que abre o material Instant Kitten, os individuais numa mecânica circular como Dedicated to Hugh, But You Weren’t Listening, e a partir da anarquia de Beer as in Braindeer.

Laços emocionais igualmente brilhantes são encontrado em O Caroline, serenata em um espaço desolado e lunar na Idade Média, em Instant Pussy, um lamento cansado, uma oração silenciosa, em Signed Curtain, o longo delírio febril de um ensaio que derrete aos deuses do desconhecido o seu canto inútil. A apoteose fria e orquestral dá o tom pessimista do disco: a pequenez do homem no emaranhado de seu destino inevitável. Construído sobre uma serenata cósmica, é um crescendo de ansiedade que lentamente preenche todos os espaços.

Álbum completo:

No verão, a banda está de volta ao estúdio para gravar seu segundo álbum: Little Red Record (CBS, 1972). Este álbum, que também é a glória da participação de Brian Eno e tem Robert Fripp o produtor, é o mais trabalhado do grupo, e nesse sentido aguça também a despersonalização da música. No retrato de capa tem-se quatro guerrilheiros com o pequeno livro vermelho de Mao em uma mão e uma metralhadora  que levantou em direção ao leste só esclarece as intenções políticas de Wyatt. O mesmo já disse  ser o defensor de uma música socialista.

O valor deste disco rígido é principalmente devido aos jogos vocais de Wyatt, um adorável absurdo para cantores monstros do século XX. Wyatt deixa para os outros (especialmente em McRae) a responsabilidade de compor a trama de som, e dedicar-se desta maneira, numa pesquisa teimosa sobre o uso da voz. Enquanto McRae e outros se aproximariam ainda mais para o jazz, Wyatt trabalha dentro da música, participa como o baterista do jazz-rock coletivo, e também sobrevoa sobre música, cantando nas partes que são o resultado de todo o alívio em si, isto é, a lá as experiências admiráveis ​​de Las Vegas Tango. Essa maneira de estreitar os lábios mal cantarolando, cheio de mistério e melancolia, é um truque de pirueta, é um fluxo de consciência em sussurros de sílabas, rimas interiores inacabadas e gemidos.

Exemplos desta voz sobre o corpo indefeso da música estão em Starting In The Middle Of The Day We Can Drink Our Politics Away (quase um conteúdo litúrgico) e o delicioso segredo de reunião paranoico de Righteous Rhumba. Nas áreas mais definitivamente jazz com o seu cultivar de flores dadaístas de Marchides e do instrumental Brandy As In Benji, bem como nos teclados de Nan True’s Hole, que é sobretudo um pesadelo subterrâneo de motos eletrônicos e uma sonoridade Zappiana.

As seqüências de Gloria Gloom, com vórtices de metafísica  por parte do ilustre Eno nos sintetizadores e os ecos espaciais de Wyatt, quase chorando e soprando pelas ruas do cosmos. A música se dissolve nos oceanos da reflexão, e é, talvez, o ponto culminante da aventura do grupo em seus dois discos.

[Uma das grandes composições de Wyatt, Marchides

O Matching Mole desfez-se no outono de 1972. Em junho de 1973 Wyatt é vítima de um grave acidente que o paralisou da cintura para baixo e, depois de seis meses no hospital, retornou á sociedade numa cadeira de rodas. O silêncio que sempre cercou sua obra parece ter definitivamente transformando-se em personagem. Apesar de Wyatt levar seis meses ainda para retornar ao mundo da música, foi tempo suficiente para se preparar de fato para a sua obra-prima.

Rock Bottom (Virgin, 1974) é feito de um infinito de convidados: Hopper e Richard Sinclair no baixo, Gary Windo no clarinete, Mongezi Feza no trompete, Mike Oldfield na guitarra, Fred Frith em viola, dentre muitos outros. Desta forma, a cena Canterbury presta homenagem ao seu soberano.

Wyatt não poderia tocar na bateria e, portanto, ficaria com os teclados, um dos quais é usuário astuto desde os dias de Moon In June. O álbum abandonou o animado e cerebral jazz-rock de Matching Mole, e nasceu como um sinal de uma busca interior, um mergulho nas profundezas do eu. É semelhante a um sopro, um único pulso da vida, que anima todas as músicas, como exalando uma massa de sentimentos orgânicos. Para este programa e árdua tarefa de fluxo de consciência em Rock Bottom, foi preciso fundir as duas principais componentes da música de Wyatt: o lado melódico extremo de Moon In June com os vocais absurdos e misteriosos de Las Vegas Tango. A inserção da suíte free-jazz vem em seguida, de uma forma de grande beleza e emotividade.

Além do uso generalizado de teclados eletrônicos e essa “respiração” comum a todas as músicas, Rock Bottom tem outra característica: o tom é calmo, relaxado, quase resignado, o que retarda e suaviza a música do homem que era um dadaísta irredutível. A experiência e o conhecimento privaram de sua música do humor habitual. Agora, é um ensaio que parece tornar-se desanimado do universo recusando-se a compreender a razão, mas tragicamente consciente da condição humana.

As duas primeiras músicas são inteiramente nas mãos dos teclados, que sobem e desce dirigindo a voz humilde e triste, ao mesmo tempo de renuncia. O funeral elegia que é Sea Song (quase um solo de Wyatt no teclado e canto) paira em um redemoinho harmônico desesperado com a marcha lenta do segredo cerimonial. A Last Straw fica ainda em mistérios mais ocultos, com uma reminiscência de uma Las Vegas Tango mais linear e nervosa, com um arranjo que faz com que se sobreponha a sensação de uma mente desconexa e o apocalipse iminente do desempenho.

E apocalípticos são certamente as sarabandas do álbum, cuja presença é dupla: o de Alifie e Little Red Riding Hood Hit the Road, que também representam os dois estados fundamentais da arte Wyatt, o lirismo titânico e o absurdo dadaísta, ou a ansiedade do absoluto e a paranoia da vida cotidiana. A voz se entrega a delírios e convulsões com um tom resignado que está bem longe do gargarejo do passado, e os ventos embarcam em viagens longas, sempre passeando sobre pesadelos terríveis e ambientes já dementes.

Alifib é quase um solo de Wyatt para respirar e teclados. A repetição da mesma inspiração ginástica e neurótica (a respiração do cantor bate o ritmo em vez de ser a bateria!). O fluxo de consciência de Hopper, relaxados por teclados em acordes celestiais, posteriormente então um absurdo lírico cantando, tecendo uma serenata como algumas baladas esparsas de Tim Buckley. Alife toma forma: teclados sinfônicos inundando o cosmos e o clarinete de estalos neuróticos, enquanto Wyatt recita as suas rimas em um piano marcial.

Little Red Riding Hood Hit the Road é o hino do caos: a trombeta e o mellotron devorando enormes espaços, o plano tecendo orações épicas, a percussão tribal, a melodia se projetando para o pandemônio impossível. É uma forma catastrófica, criando um clima de terror para a acumulação absoluta de sons.

A segunda parte de Little Red Robin Hood, no final do disco, é ainda mais densa e é realmente o “fundo do rock”: a música começa com uma ladainha marcial soberbamente marcado por uma tarola e o mellotron em uma atmosfera de dilúvio verdadeiramente universal, e, em seguida, passa para o verso. É um lamento intenso e desconsolado que parece estar buscando significado e propósito em um mundo sem Deus, um delírio pungente cujo destino e fé duelam um diante do outro, ambos sem esperança.

Se End Of An Ear pode ser considerado um “elegia da loucura”, dedicada ao homem, Rock Bottom é uma “elegia do caos” e dedica-se ao cosmos. A loucura e a melancolia se fundem em um único sentimento de solidão no meio da multidão, um desamparo no universo. O animal que simboliza a filosofia de Wyatt é a toupeira, que vive no subsolo, na escuridão e no silêncio, inútil e subversiva.

 

Guilherme Rodrigues

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2 Comentários

Arquivado em Artigo, Resenha

2 Respostas para “Artigo: Os melhores trabalhos de Robert Wyatt, da elegia da loucura á elegia do caos

  1. Bruno

    notei várias que várias partes do texto estão presentes no artigo do Piero Scaruffi, vc nem colocou as fontes e ainda assinou como se o texto fosse integramlemente seu. acho legal a inciativa de traduzir o artigo, mas pelo menos coloca a fonte

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