Pink Floyd – The Piper At The Gates Of Dawn (1967)

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Pink Floyd criou um compromisso entre o atolamento de forma livre tonal, o barulhento, aberração “cacofônica”, o excêntrico e a cantiga melódica. Barrett era a personalidade forte dentro do grupo, neste ponto, bem como o mais novo. Ele compôs uma grande quantidade de músicas e letras, ele tocava violão alternando entre fraseado tonal e virando a dissonância.

Barrett era para qualquer experiência: da pintura mística da Ásia para a química da música. Quando ele decidiu colocar a mão para a música, ele procurou distorcer o blues-rock para caber sua imaginação alucinógena. O quarteto, com o nome Pink Floyd em honra de dois bluesmen americanos incompreendidos, começou a tocar regularmente em shows locais subterrâneos, do Marquee para Roundhouse, mostrando grande interesse em efeitos eletrônicos e shows de luz (o primeiro na Grã-Bretanha). O grupo participou de diversas manifestações, tais como longos congestionamentos de eletrônica blues-rock, tornando-se lendário entre a cena underground de Londres.

O primeiro álbum de longa data, The Piper At The Gates Of Dawn (Tower, 1967), que saiu no verão de 1967, teve um grande impacto na cena da música na Grã-Bretanha. Neste álbum, Pink Floyd resumiu a sua nova gramática musical, um novo modo de interpretar a música para a juventude. O álbum foi dominado pela personalidade de Barrett, um excelente contador de histórias e intrépido navegante das estrelas, com uma voz idílica e guitarra demoníaca. O sinal de rádio intermitente que foi Astronomy Domine foi a maior invenção dentro de rock Inglês, durante este período: a felicidade em crescendo, os intervalos de assobios e latejante das guitarras e uma voz deformada por distâncias astronômicas. Esta foi a manifestação de uma extensão para o sentido comum de psicodelia. Era tanto uma expansão e libertação, onde o céu era o único limite, e Barrett iria ainda além. Wright e Mason, com suas notas longas, tempestuoso e vasto, inventou um novo estilo de acompanhamento. Metade do álbum consistia de canções curtas surreais, livre da influência de alucinógenos, como See Emily Play, em que o lirismo excêntrico e instrumental era o mais profundo espaço-rock existente. Havia outras fantasias em miniatura e sínteses harmônicas, cheia de gafes de som e misteriosas letras. A guitarra continuou a criar uma atmosfera de pânico, como Lucifer Sam, uma mistura de uma trilha sonora de suspense, uma dança tribal, e um exorcismo por magia negra. A balada foi outra forma utilizada com efeitos alienantes em Matilda Mother, marcial e fatalista, que subiu em cima de um coro celestial, e The Gnome, um dos refrões mais contagiantes do grupo, foi um conto de fadas clássico. O aspecto mais grave da psicodelia de Barrett foi documentado no Chapter 24, que adaptou raga-rock de arranjos cósmicos (gags que assumiram muitas formas, tais como o suspense e órgão dilatada). O álbum transpira a feroz veia instrumental do grupo (como piano clássico atacada por um bando de tribos drogados, uma aceleração repentina do tempo, breaks celestes pelo órgão, e os sons do assombro dos bosques).

No final, o estilo vaudeville foi a inspiração para Flaming (uma colagem de efeitos sonoros) e The Bike, um esboço surreal, uma brincadeira de bêbado consistindo de ruído aleatório (sirenes, relógios de cuco, sinos, tambores graves, correntes enferrujadas e sons de animais), revelando a insanidade de Barrett. Introduzido por um dos riffs de guitarra mais aterrorizantes da história do rock, Interstellar Overdrive (uma faixa instrumental de comprimento), foi uma obra-prima dentro de uma obra-prima. A síntese de mensagens subliminares de gurus e sacerdotes ácido, os fluxos de consciência de um James Joyce e ficção científica, do surrealismo e da psicanálise freudiana, todo o conjunto é um frenesi de camaleão em que Barrett mais violentamente abandona o papel de dissonante menestrel (variação psicodélica de um cantor folk), do bobo da corte metafísico, do guru novato, e assumiu o papel de músico cósmica. O quadro para a música tonal do grupo caiu no caos ensurdecedor de improvisação livre. Abandonando a melodia, a velha desculpa para truques instrumentais, os truques agora realizaram a sua própria validade. Cada instrumento vivia livre, possuído e deformado pela intensidade da performance. O sentido cósmico fornecido pelo beep galáctico na guitarra, leguminosas celestes no baixo, alto franja sobre os tambores, choques elétricos por parte dos címbalos, e acima de tudo o ruído espacial do teclado, os instrumentos mudaram papéis, perseguindo um ao outro e se sobrepondo, mas havia sempre um instrumento que barulhos espaciais simulados, como sinais de rádio, zunindo naves espaciais, apitos e burburinhos que vêm e vão ao longo de órbitas estelares, e do caos primordial que apoiou tudo.

Guilherme Rodrigues

Álbum completo:

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