Artigo: The Doors – The Doors (1969) e o misticismo (justificado) de Jim Morrison

Doors - The Doors (1967)

De todas as bandas criativas da história da música rock, The Doors podem ter sido a mais criativa. Seu primeiro álbum contém apenas obras de arte e permanece praticamente incomparável. Jim Morrison pode muito bem ser o vocalista de rock mais importante de todos os tempos. Ele é o único que definiu o vocalista de rock como um artista, e não apenas um cantor. O estilo de Ray Manzaker nos teclados esteve na vanguarda da fusão de música clássica, jazz, soul e rock. O poder de alguns de seus riffs tinha superado o blues-rock e o posterior hard-rock. As suas canções têm uma qualidade única, que nunca foi repetido: eles são metafísicas, enquanto cresce o estado psicológico e físico com o lado erótico violento. Ou seja, The Doors são o mais próximo que o rock  produziu de William Shakespeare.

A banda foi dominada pela personalidade histriônica do vocalista Jim Morrison, a inspiração para sua música. James Douglas Morrison nasceu 8 de dezembro de 1943 em Melbourne, Florida. Seu pai, um oficial da Marinha alto, esperava que ele fosse seguir uma carreira similar. Depois de cortar todos os laços com a sua família, Jim mudou-se para Los Angeles para se inscrever na UCLA (Universidade da Califórnia Los Angeles), onde estudou fotografia, latim e grego. Na universidade Morrison conheceu Ray Manzarek, nove anos mais velho, formado em economia, que amava o blues de Chicago. O baterista John Densmore, um aficionado de jazz, e o guitarrista Bobby Krieger, de flamenco e entusiasta da música jarro (consiste basicamente em soprar um jarro e produzir sonoridades), ambos os membros do The Psychedelic Rangers e seguidores do guru Maharishi Yogi, logo se juntaram a Morrison e Manzarek. Era setembro de 1965. The Doors nasceram.

O nome “Doors” é uma homenagem dupla: à poesia de William Blake e ao livro sobre drogas psicodélicas de Aldous Huxley “As Portas da Percepção/ The Doors of Perception”. A homenagem claramente transmitida segue o caminho para o desenvolvimento de seu som. A banda começou a tocar regularmente em The London Fog, na Sunset Boulevard (Califórnia). Logo depois eles foram contratados pelo famoso Whiskey-a-go-go, onde competiam com as melhores bandas da região.

Seu som, um feroz blues-rock de ritmos mais maduros do que a batida tímida em circulação na época, catapultou-os para o topo: o órgão exuberante; a pura, sonhadora, alucinógena guitarra, criou o cenário perfeitamente evocativo para que Morrison adicionasse com referências contínuas à sua voz cavernosa de escuridão, o vazio, o esquecimento e a morte. Seus sermões chocavam e iluminavam o existencialismo dos condenados. Como muitos da Bay Area, os concertos de The Doors também se tornaram “testes ácidos” reais, durante o qual a banda divagava e recriava clássicos de blues esticados até ao limite das possibilidades.

Para os The Doors foi oferecido um contrato no verão de 1966. Janeiro do ano seguinte saia seu primeiro álbum, The Doors (Elektra, 1967) que foi lançado e foi aceito com entusiasmo por aqueles que os seguiram. O álbum é o resultado da fusão de seis elementos de potencial altamente sugestivo: a grossa contração skin-tight de blues-rock (selados pelo ritmo obsessivo de Densmore), uma interpretação barroca personalizada de psicodelia (marca registrada de Manzarek no órgão que variava andamento lento para uma descamação dos sinos em redemoinhos de liturgia majestosas), um plano preciso de infecção exótico (sabores latinos e Hawaiian em guitarra de Krieger), a sedutora e voz sinistra de Morrison, o charme evangélico de sua personalidade e o valor de suas letras chocantes, a meio caminho entre tragédias gregas e da psicanálise freudiana.

O álbum começa com uma de suas músicas mais famosas, Break On Through, uma peça mal-humorada e irreverente, com uma sessão fora de controle rítmico que se queima, sem um único segundo de pausa, em pouco mais de dois minutos, é um punk-epiléptico que antecede uma era de punk. Soul Kitchen é um blues-rock que começa como uma experiência e estende-se a um final espetacular, culminando com uma invocação satânica demoníaca durante a cerimônia na “cozinha das almas.” A atmosfera mefistofélica adoça no esquecimento de Crystal Ship, uma pequena obra-prima perfeita para a expansão da consciência, em que a busca pela liberdade metafísica despertada simultaneamente medos primordiais e euforia (“… os dias são luminosos e cheios de dor … “). Uma dor aguda irrefutáveis de tons estranhos contribui para a peça (as nuances imperceptíveis de ácido) em uma mistura de alturas vertiginosas (“… nós nos encontraremos de novo, vamos nos encontrar de novo, oh, me diga onde está a liberdade… “), em que o trabalho evolui para um crescendo épico. 20th Century Fox é um hino sarcástico com uma mulher astuta, que “… não vai perder tempo com conversa elementar … tenho o mundo trancado dentro de uma caixa de plástico …”, pode ser encarada como uma pincelada do retrato imaginário feminino de Dylan e Jefferson Airplane.

“Light My Fire, … não há tempo para chafurdar na lama, tentar, agora só podemos perder e nosso amor se torna uma pira funerária …”. Um texto de onze versos para seis minutos de música hipnotizante: um órgão que gira em espaços siderais como um cravo barroco, uma guitarra que se auto-inflama, extingue-se e volta a repetir o ciclo, uma voz que vem da escuridão de um lado para o outro, para lançar o seu coração doloroso: Light My Fire (a criação de Krieger, como muitos de seus riffs mais hipnotizante). É um hino melodramático ao sexo e à morte, ao fogo e à escuridão, os instintos selvagens que despertam no meio da noite, às premonições lânguidas que infectam o prazer. No intervalo instrumental longo do dueto espetacular entre Manzarek (jazz, barroco e dança) e Krieger (raga, árabe, cigana e espanhol) criam um som mais tenso e febril, refinado e linear que abre todas as “portas” e atinge a psique. Em seguida, o pesadelo hipnótico de End Of The Night, em lullaby desesperada sobre “o fim da noite” (em oposição a noites intermináveis, uma descrição da separação terrível dos sonhos e os prazeres da noite). Take It As It Comes, uma represália de Light My Fire. E por fim, os longos 11 minutos The End, a lendária agonia com que o álbum termina.

Onze minutos de lamentos, de misticismo, de improvisações rarefeitos e coletiva sobre a renúncia. O magma primordial de emoções, de convulsionado exorcismos, de parcelas confusas. Onze minutos de enxofre e incenso: “… Este é o fim, meu único amigo, o fim … o fim de tudo o que está …” Isso em uma crescente disputa. Em meio a respiração irregular, babando imagens indecentes e versos bíblicos blasfemando Deus, a cerimônia prossegue implacavelmente através de maldições e pesadelos. O mito de Édipo enche cada palavra com um mau pressentimento horrível. A alma para morrer, perdido em uma terra desesperada, cambaleada sem apoio. A canção é insidiosa e épica ao mesmo tempo. Morrison é que a voz do narrador, mas também do protagonista, dilacerado por traumas monstruosos. O fraseado é a sequencia absurda de uma viagem que durou muito tempo. O suspense instrumental eletrifica cada palavra: “… O assassino acordou antes do amanhecer, ele pôs suas botas Ele tirou uma foto da antiga galeria, e ele andou pelo corredor Entrou no quarto onde sua irmã morava,… e, em seguida, fez uma visita a seu irmão, e então ele caminhou pelo corredor. E ele veio até a porta e olhou para dentro “Pai?” “Sim, meu filho?” “Eu quero matá-lo.” “Mãe , eu quero … “. Holofotes cegos apontam para o local da tragédia do psicopata, e a doçura do assassino que revive os contos de fadas do esqueleto subconsciente adornando com sussurros e gritos, amor e ódio, sons e silêncio. Ao assimilar e consumir tudo dentro de seu delírio, ele se torna um gigante com enormes tentáculos que alcançam além do “real” para o “eterno”. The Doors conseguiram nesta música uma espécie de vampiro angelical agonizando à beira do abismo, com as pupilas dilatadas, proclamando, com o tempo e a memória, a marcha solenemente: “… O fim das noites que tentamos morrer … isso é o fim.” O caos instrumental de The End simboliza um momento importante na evolução do estilo dos The Doors, bem como as experiências de acid-rock. A separação harmônica em ambos os casos, tem de funcionar estritamente teatral. Cada som e coreografia é funcional para a atuação do cantor. É uma trilha sonora mais do que uma composição musical. A quintessência do melodrama “Morrisoniano” é a capacidade de recitar monólogos enquanto cantava, para criar uma atmosfera de suspense, desencadeando a fúria da retórica, para cativar o público por estados de submissão e de exaltação alternadas.

Sua rocha imediatamente tornou-se reconhecida como um produto refinado da matriz de seu subsolo. Eles não correspondiam a nenhum dos estilos em voga. Era muito difícil de ser maníaco e sonhador comparado-se com os estilos da Bay Area, que era muito barroco e metafísica para se ajustar as batidas psicodélicas comuns. Seus concertos tinham pouco em comum com os concertos psicodélicos da época. Era Morrison, que dominou, como xamã com a sua personalidade e sua atitude provocadora. Acabou sendo perseguido sem piedade (ele foi preso duas vezes: em 1967, em Connecticut por causa de tumultos, e em 1969, em Miami, por atos obscenos em público). A perseguição foi consequência de uma existência diluída em álcool e drogas.

 [apresentação ao vivo dos The Doors e um pouco da personalidade de Jim Morrison no Hollywood Bowl em 1968]

Rebelde incorrigível como James Dean, por excelência para a sua música como Jimi Hendrix, o poeta de uma geração, como Bob Dylan, inclinado para a auto-destruição, como Jack Kerouac, Jim Morrison foi o porta-voz do pós-pacifismo e pós-psicodélica inquietação. Através da exaltação de drogas e sexo Morrison abalou  as fortalezas da ideologia conservadora e tornou-se tangível a rebelião apolítica de sua geração. “Queremos que o mundo e nós queremos isso agora!” Esse slogan foi o único que verdadeiramente falou para todos.

O componente fundamental da música dos The Doors eram as letras de Morrison. Sua educação clássica e moderna deu-lhe o simbolismo apocalíptico de Blake, de decadência macabra de Poe, do pessimismo e etc. Estas referências, mais ou menos próximos à ideia de Morrison da vida e do mundo, nunca saiu como está mais disponível, mas como amálgamas dentro de sua própria poesia e os símbolos ocultos de sua paranoia, que não poderia renunciar à sua poesia: o “navio de cristal “(heroína) salva da dor, “o fogo “com um amante hipotético que deve iluminar a noite (sexo, morte, talvez ambos), a sete milhas tempo frio” cobra “do antigo lago (“montar a cobra “, em paródia sexual de “cavalgar o tigre”), “a música”, um eufemismo para a vida (que é o seu amigo, até o final), “os pilotos sobre a tempestade” (do qual ele era certamente um), o “lagarto” (a si mesmo) e “o fim” de tudo isso (o meu amigo, o fim, meu único amigo, o fim).

Na parte inferior desse mundo complexo e fantástico havia o próprio Morrison, condenado sua vida e seus medos, e  que acabou nos relatando e confessando em muitas fugas da realidade (“… desesperadamente precisando da mão de algum estranho …”, ele sussurra no final). Cada grito esconde um exorcismo, cada sussurro uma oração, cada show é uma ego-trip maníaco, o artista é tanto xamã e bode expiatório, e a multidão em cima dele são projetos de suas fantasias, essas fantasias que se tornam reais. Cada um de seus esforços foi uma parábola de sua própria destruição e pode ser recordado como o de um Cristo desesperadamente à procura de seu próprio calvário.

No palco, Morrison levou sua experiência como ator e um poeta e isso foram juntamente combinados com o movimento, declamação e música. O resultado foi uma forma expressiva e original inteiramente centrada sobre a dinâmica musical que ficou conhecida como “o teatro do sexo e da morte.” Sem truques ou disfarces, ele foi capaz de excitar o público com a profundidade de sua transmissão, ou em momentos de delírio, com agressões verbais e simulações sexuais. Sexo para Morrison foi a libertadora e glorificação do estado de espírito, como em todas as culturas primitivas. O verdadeiro Morrison foi quem insultou e degradou o público, aquele que riu de si mesmo em rituais hedonistas e blasfemos ousando no palco de Miami. Mas o sexo também era macabro. Suas letras são permeadas com um pressentimento claro de sua morte trágica e com um senso de assassinato cósmico como a suprema manifestação da vida (o “assassino na estrada”, cujo “cérebro está se contorcendo como um sapo” em Riders of the Storm).

Morrison manifesta uma tendência para dividir sua personalidade que ele gostava de vincular a uma antítese religiosa: Cristo / Satanás. Ele definiu-se “o rei dos pecadores” elaborando teses de miseráveis e de incesto, homicídio e do Complexo de Édipo, enquanto que ao mesmo tempo posando como um profeta, um redentor e mártir (em uma famosa fotografia que ele está crucificado nu em um telefone). Esta divisão tendenciosa de personalidade produziu transformações repentinas: enquanto recitava a celebração do lagarto, durante uma pausa em silêncio, ele assaltou um público sonolento com um grito estonteante (wake up!), Um verdadeiro despertar de seu alter-ego demoníaco.

Há ainda um outro componente da personalidade artística de Morrison: ele escreve como um ator. Suas letras são filmes (a execução do “soldado desconhecido”, a tragédia simbólica da “celebração do rei lagarto”). Quando ele canta seus monólogos ele adapta a sua voz para cada ambiente diferente, diferente para o cenário da peça (arrogante e autoritário em Light My Fire, desoladamente nostálgico em Strange Days (Elektra, 1967), insano e homicida em Break On Through), ele é um ator. Um gênio inesquecível, um verdadeiro artista.

Guilherme Rodrigues

Site da banda: https://thedoors.com/home

[uma pequena obra-prima, Crystal Ship]

[outra obra-prima, Light My Fire]

[a versão original do álbum de The End]

 

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1 comentário

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Uma resposta para “Artigo: The Doors – The Doors (1969) e o misticismo (justificado) de Jim Morrison

  1. l815

    QUE. TEXTO. FODA.

    Parabéns ae amigo! Depois vou reler e trocamos uma idéia.

    Lucas do Carmo 🙂

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